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攝影師之眼:數位攝影的思考、設計和構圖(10週年數位修復珍藏版)
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攝影師之眼:數位攝影的思考、設計和構圖(10週年數位修復珍藏版)

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商品簡介
作者簡介
名人/編輯推薦

商品簡介

★ 蟬連攝影書銷售TOP.1
★ 譯成14國語言,橫掃美、英、法、德、加
★ 各國Amazon讀者4顆半至5顆星激賞評價
★ 跨界探討數位處理、影像藝術與設計美學多重領域
★ 照片經數位修復,還原精美色澤與清晰度,紀念經典出擊十年新版

在攝影時,你用的是另一雙眼睛。
拍照時,透過取景器看到的世界,與肉眼所見會有些微妙且影響重大的差異;而攝影師在創作時,基於自身經驗、創作意圖或構圖原理,也是用另一雙眼睛,觀看、預測眼前的世界。

作者寫作本書的目的,是「探索拍照的實際過程。我想稱之為內行人的觀點,不過這樣聽來太狂妄,因為我是借用攝影師(包括我在內)拍攝當下的經驗。拍攝過程中會發生很多事,日後看到拍攝成果的人,卻未必看得到這些事……我在本書想要說明的,是攝影師如何依據意圖、心境和能力,為影像構圖,另外,我也要分享如何精進影像構圖技巧。」

➤一幅畫面應該怎麼構圖?
從基本的構圖元素和攝影技巧開始,解釋照片的大小和比例對畫面的影響、設計基本要素的應用(從圖形結構、線條圖案的配置、斜線曲線暗示的張力、明暗對比,到如何平衡視覺重量等),及色彩色調和構圖的關係。

➤這樣構圖才漂亮!但是為什麼?
作者提出美學的運作原理,包括人眼閱讀畫面的習慣、視覺心理學,如此,若資深攝影師或玩家已經玩膩了基本攝影和修圖技巧,也可以在掌握美學原理之後,變化出更豐富的風格和表現手法。
臨場攝影、街頭攝影的決定性瞬間 攝影師面對的,經常不是靜態、可以所心所欲擺置的場景。作者以實例講解,在街頭拍攝時,如何觀察、歸納、預測景物的變化,以捕捉到決定性的瞬間、高潮的一刻。

➤照片只有一張,卻能呈現不同效果
照片完成之後,再藉由Photoshop等圖片處理軟體,把同一張照片詮釋出不同味道。透過裁切,調校明暗、對比、色彩,讓畫面呈現不同的效果和意涵。

➤認識攝影大師
作者同時介紹許多攝影大師或藝術家出場(例如布列松、安瑟‧亞當斯、羅伯‧法蘭克等),帶我們進入大師的世界,一窺他們拍攝時的想法、意圖及心境。

這不只是一本關於攝影構圖、影像設計的工具書,也是帶你進入攝影創作、攝影藝術的進階攝影書。

【本書章節】
1. 視框:探索景框的動感及形狀、影像接合與延伸、裁切、水平線等要素。。
2. 設計基本原則:對比、圖案、結構、平衡感和視覺重量等。
3. 圖形與攝影元素:水平線、垂直線、斜線、曲線、運動、焦點、曝光等。
4. 構圖中的光和色彩:關於光線、色彩、色調的解說,包括黑白攝影。
5. 攝影意圖:停下來思考拍攝的內在動機和意圖,你的目的是要取悅大眾,還是要與眾不同、出人意表?
6. 攝影過程:是直覺,還是精心的構思?直覺又有什麼基礎?攝影呈現怎樣的藝術語法,又為何比繪畫更難分析?

作者簡介

麥可‧弗里曼Michael Freeman

是能拍又能寫的專業攝影師。

他擔任專業攝影師已達三十多年,足跡遍及五大洲,領域包括當代藝術設計到影像特效。多年來,他在美國國立史密森尼研究所的科學人文月刊中擔任資深攝影師,也為Time-Life系列叢書以及《國家地理雜誌》拍攝很多作品。

他應出版社之邀撰寫及拍攝的書籍有百本以上。第一本自發撰寫的專業攝影用書《攝影師之眼》濃縮了數十年來的攝影心得和技巧,也將過去所有教學用書中,深感不足的部分一一寫了進去,堪稱集大成之著作,在全球各主要語種均有驚人銷售,為近年來最經典的技法教學書,隨後並出版系列續作《攝影師外拍手冊》、《攝影師之心》、《攝影師之魂》及《獵光聖經》。


吳光亞

台大機械系畢,美國蒙特瑞國際學院筆譯與口譯碩士課程研修。譯作包括《行星使用者指南》、《螺絲、起子演化史》、《圓頂的故事》、《樂活誌》、《人類大百科》等。

名人/編輯推薦

本書翻譯成多國語言,在美國、英國、法國、德國的Amazon上都名列前茅。
它不僅是藝術攝影的教學書籍,也跨足電腦網路的數位攝影。

【外國讀者書評】
「只要是深思熟慮的攝影師,在讀過此書之後的數年內,一定都會回頭再三翻閱。」
「弗里曼是攝影師或藝術家中,少數能把藝術的相關觀念講解分析得這麼具體、確實的人。它不同於跟其他攝影藝術類書籍,用語平易近人,也不像其他書籍有大量術語阻礙閱讀且缺乏實際的範例。」
「弗里曼確實掌握了影像背後的運作原理,並且講解得一清二楚。」
「我的專職就是撰寫攝影書籍……我要說,這本書是我見過最容易入門又最頂尖的構圖和設計書,不僅適合專業行家,對業餘玩家也很有幫助。在相關主題中,這是第一本能讓我感到既深刻又清晰的攝影書籍了。」

「…你如何建構一張照片、照片裡包含哪些東西、形狀彼此之間的關聯、空間要怎樣填補,全部的東西要如何融成一體。」──保羅‧史川德(Paul Strand)

距離這本書首次出版已經十年了,而至今仍有許多翻譯本在世界各地熱銷,我想這可以當做某種證據,說明這本書的原始理念確實有其價值。本書的理念獨樹一格,雖然這麼說有些大言不慚,但我的意思是,這本書跟我所寫的其他書都不一樣。我寫這本書有兩個目標:首先,我想提出執業中的報導式新聞攝影師(editorial photographer)的觀點。對以此為業,且生活中全是攝影的我們來說,某些外行人的文章或著作根本不實際,他們的作品我越來越讀不下去。我在第一版的序文中已經提過這個看法。當時我說,旁觀者的角度沒有什麼錯。我還引用了法國哲學家、文學理論學家羅蘭.巴特的說詞:「我無法加入那些人的行列⋯⋯那些以攝影師的方式處理攝影的人。」那時我如此通融,是我不對,我不會再這樣下去了。在我看來,想要書寫某種創意行為,並且言之有物,首要條件是你必須精通這個行為。否則你寫出來的東西再好看,也可能只是謬論。

再來,我希望拋開一切關於攝影器材的討論,完全專注在影像的組合。畢竟,這才是我和我認識的每一位職業攝影師,主要在做的事情。讓人難以置信的是,儘管人們對攝影的興趣暴增,關於「影像組合」的書寫卻嚴重匱乏。出於某種原因,專業攝影師並不談論構圖。他們認為那是商業機密嗎?他們真的對此閉口不談嗎?(連對自己也絕口不提?)就算他們確實談到了構圖,所言多半也不具啟發性。匈牙利攝影師安德烈.柯特茲(André Kertész)曾經宣稱從他開始攝影起,他拍的每件作品「都有絕對完美的構圖」,聽起來驕傲極了,但他接著又說那不是他的功勞。他說:「我天生就是如此。」這種說法對誰都沒幫助。

請記得,當年職業攝影師還處在攝影圈上游的時候,他們自認是特別的一群。雜誌社和廣告公司老闆也是這麼告訴這些攝影師和他們的觀眾。因此,從產業的角度來看,把完美的構圖歸功於罕見的天賦,也十分合理。沒錯,我以前也是這麼想的,我們過去也都認同這樣的說法。對攝影師來說,「對的東西」不是器材,而是自己的學問。攝影師不會隨便跟別人分享自己的學問,除非那對名氣有所幫助。

這個學問,或者說,學問的產出,就是構圖。那麼,構圖有多重要呢?有鑑於市面上的相關著作不多,你可能覺得它不太重要。畢竟影像的組合還包含了其他元素,像是主體本身有不有趣、特不特別,還有拍照的時機、光源的品質、彩色或黑白照的氛圍。當然,還有器材,最基本的是相機和鏡頭,但不是只有這些而已。無論以前還是現在,去一趟攝影展,你會覺得器材製造商似乎掌握了你能否拍出傑出畫面的關鍵。

身為職業攝影師,一直以來,我拍攝時絕大部分的心思,都放在如何安排出現在視框裡的一切元素。我想我的同事也一樣,只不過我們私底下不會討論這種事情。我們比較常談到的,是如何接觸特定的拍攝主體,以及我們的嘗試與成功的經驗,像是如何前往某個難以抵達的地點、如何說服原本不願入鏡的人讓我們拍照,或是怎麼取得通行的權利。然而,名聲靠的是你在獲得通行權和拍攝角度以後,怎麼處理你的畫面,以及你的想像力是否充沛。雇主之所以雇用我們,我們之所以能接到新的案子,仰賴的是我們組合畫面的方式。圖片編輯、藝術指導重視可靠度和效率,但他們也想看到令他們驚喜、愉快的影像。在1934至1958年間擔任《哈潑時尚》藝術指導、深具影響力的阿列克謝.布羅多維奇(Alexey Brodovitch)有一句名言,他對攝影師的要求是:「驚豔我吧!」

這就是我對構圖的看法,構圖就是攝影的核心。這也是我最初決定寫這本書的理由,雖然我可能不夠生動、文字不夠淺白,但重點是攝影師要能掌控一切,而構圖就是讓你我居於主導位置的唯一因素,構圖讓我們把相機前的混亂理成真正的、吸引人的攝影作品。構圖的重要性始終如一,未來也不會改變。

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