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在數智技術重塑設計範式的今天，視覺媒體設計正經歷從思維到實踐的系統性變革。本教材以“認識論—方法論”雙維框架為核心，上卷構建理論認知體系，下卷探索實踐創新方法，為數字智能時代的設計教育提供兼具學術深度與應用價值的系統性指南。上卷以“認知進化”為主線，系統解析視覺媒體設計的底層邏輯。通過梳理其從傳統媒介到數字載體的發展脈絡，揭示虛實融合背景下設計邊界的動態擴展；提出“敘事轉向”理論，剖析技術驅動下從線性敘事到多模態交互的邏輯轉型；結合後結構主義與社交貨幣理論，重構用戶體驗中的“身體在場”與價值生成機制；整合認知心理學、行為主義等學科，構建人-機-環境心理互動模型，為設計評價提供科學化工具。下卷聚焦技術驅動的四大方法論：信息可視化設計打通數據建模與視覺敘事的轉化路徑；新媒體展示設計融合AR、VR與全息成像技術構建空間交互框架；智能服務設計通過文化探測、用戶旅程與原型迭代形成閉環流程；品牌全棧設計整合交互、實時與多屏戰略，重塑數字生態中的品牌價值體系。本書可作為普通高等院校視覺傳達、數字媒體、交互設計等專業的核心教材，也可為文創設計、互聯網、新零售等領域從業者提供方法論支持。
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本書是康定斯基所寫藝術理論系列的第三本。這一本卻不同，是他在不同時期發表的文章精選。這些文章有不同的寫作動機，如第一篇《關於形的問題》雖然是為《藍騎士》年鑒而寫，卻是《藝術的精神性》思想的延續。其中有關於具象藝術的文字、為紀念蘇菲‧托依伯‧阿爾普的文章等
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色彩構成是設計與藝術類專業的一門基礎課程，高等教育藝術設計類專業都有開設，主要通過色彩理論、色彩搭配與實踐操作，幫助學生掌握色彩的基本原理與應用方法。本書共五章，主要介紹色彩構成概論、色彩構成的基本要素、色彩構成的表現形式、色彩心理、色彩構成的應用。本書可作為包裝設計、海報設計、廣告設計、產品設計、室內設計和時尚設計等多個領域的從業人員職業參考書，也可作為高等院校設計類專業的教材。
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本書以商周時期至現在的中國藝術傳播為研究對象，力求從歷史學、傳播學、社會學的多重視角，探討中國藝術傳播的歷史演繹與現代闡釋。重點聚焦藝術傳播的文化屬性、藝術家的創造主體性、藝術作品的時代價值，以及藝術傳播在不同歷史階段呈現的演變軌跡。研究分為九章，揭示藝
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本書系2014至2024年間“國際藝術評論獎”獲獎作品的精華結集，共收錄三十餘篇具有代表性的獲獎評論。作為一項具有國際影響力的專業獎項，“國際藝術評論獎”由國際藝術評論獎組委會、復旦大學哲學學院及上海久事美術館共同發起主辦，並得到英國皇家藝術學院、愛丁堡藝術學院等世界知名藝術院校的協辦支持。該獎項自創立以來，始終致力於推動當代藝術批評領域的發展，通過搭建專業平臺，彙聚來自中國、英國乃至全球多個國家與地區的卓越藝術評論。這些作品不僅展現了作者對當代藝術現象的深刻洞察，也反映了不同文化背景下的藝術思考與批評方法。入選本集的每篇文章均經過嚴格遴選，既體現了獎項的專業水準，也呈現了十年來當代藝術批評的重要趨勢與多元視角。本書的出版，既是對獲獎者學術成就的肯定，亦旨在促進藝術評論者之間的深度對話與交流。通過展示這些具有理論深度與批評銳見的文本，我們希望為藝術研究者、從業者及廣大藝術愛好者提供一個有價值的參考，進一步激發對當代藝術實踐的批判性思考與跨文化討論。
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“藝術與科技實驗室”MCproject於2022年發起了4期線上沙龍，分別以“網絡藝術”“遊戲”“藝術教育”“策展”為主題，邀請了14位研究者、策展人和藝術家分享自己的多元探索。經過系統整理、編輯，並以書籍設計師精准的視覺語言，將他們的演講內容集結成冊、現於紙上，既是對當時在那樣一個“例外狀態”開展藝術實踐、通過雲端對話的一種紀實與回望，也是對中國年輕一代藝術工作者進行知識生產的一種檔案式記錄，為跨學科、跨媒介領域的實踐與研究提供了有價值的參考文本與珍貴資料。
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本書以生動有趣的方式探討藝術。開篇通過“什麼是藝術”引發思考，隨後解析藝術的類型、流派、創作技術與美學原理，如畫面的立體感、構圖、色彩運用，以及雕塑、版畫等不同形式的創作過程。本書還探討了藝術的功能性，揭示了藝術中隱藏的社會敘事。藝術可以是幽默的、嚴肅的，抽象的、具體的，美的、醜的……它甚至可以挑戰傳統形式，如裝置藝術或爆炸性創意。此外，本書還探討了藝術品的價值，以及藝術博物館的作用等話題。 本書希望通過輕鬆的插圖、詳細的闡述和具體的案例分析，讓讀者瞭解藝術的本質，理解藝術的多元性，從而對藝術有更深層的思考。本書適合對藝術感興趣的青少年及其家長閱讀，也適合藝術研究 者、藝術教育者作為參考資料。
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《美術欣賞(第4版)(微課版)》針對大學人文素質教育、公共藝術教育和推動社會文化大發展的需要而編寫，自2006年第1版發行以來，歷經十幾年的教學實踐檢驗，深受廣大師生和社會各界人士的歡迎。本次再版修訂保留了前3版比較成熟的框架和風格，以更專業和精准的闡述、更寬泛的知識涵蓋、更高雅和豐富的插圖，使讀者從古今中外的美術知識、歷史發展、中西對比等各方面獲得更加全面的美術基礎知識和美術鑒賞知識，從而更有效地指導大學生和讀者的美術欣賞實踐。《美術欣賞(第4版)(微課版)》打破了過分強調美術欣賞的系統性和完整性的局限，緊貼現代生活，切合學生和大眾興趣，配有300多幅彩色圖片，內容豐富多彩，圖文並茂，具有較強的直觀性和資料性，無論是為教師的授課，還是為讀者課外自學都提供了極大的方便。《美術欣賞(第4版)(微課版)》既可作為高等院校公共藝術教育的規範教材，也可作為各地圖書館、文化館、社區文化站、老年大學等社會各界人士必備的審美素質教育讀物。
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如何解讀藝術？一件作品可以有多重含義，領會、解讀和欣賞它的方式也有很多。這本書將解讀偉大的藝術作品的方式分解為10個簡單的元素，清晰易懂，使你能更好地理解和欣賞藝術作品。它有助於解答一些顯而易見但棘手的問題，比如“草間彌生是如何在《靈魂的光芒》中創造湮滅的感覺的？”或者“梵高的《星夜》為何塗得如此厚重？”書中介紹的關鍵元素，能夠幫助你更好地分析和理解藝術。從色彩、媒介和規模到作品的位置、年代以及繪製作品的藝術家，你將瞭解哪些元素是重要的。無論你是學生、教師還是愛好者，這本書將揭開偉大藝術作品的神秘面紗，使你在美術館的參觀之旅更加豐富多彩。
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德國當代藝術家馬爾庫斯‧呂佩茨是與基弗、伊門多夫、巴塞利茲等同等重要的“德國新表現主義”的代表人物。本書是他與德國著名藝術批評家海因裡希‧海爾之間的訪談錄，集中地傳達了這位性格狂放的藝術家的藝術見解和經驗，特別是他對藝術與天才、藝術與哲學、藝術與神話等重要主題的闡釋，不僅讓讀者深入瞭解一位深受哲學家尼采影響的當代藝術家的思想境界和藝術探索之路，更是研究德國新表現主義和當代藝術的重要文獻。
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本書是德穆茲和基弗之間從2003年春天至2009年之間的談話集成的訪談錄。這些談話既可以單篇閱讀，也可以按時間順序來讀，起點已經在某個角度上給出了方向。他們的談話圍繞著火、水、氣和土等基本元素，圍繞著《舊約》和《新約》中的敘述以及在佛教思想中起核心作用的空，追蹤一切過去之物的複返或輪回，追問德國的歷史和歐洲的歷史，對基弗關於浩劫(Shoah)的深入研究進行專題討論：尤其是通過基弗對策蘭詩歌的“回應”。因此，這本訪談錄探討了基弗的藝術哲學和神學基礎，探討了他的藝術學和文化學立場以及他的工作和世界觀，引導人們根據不同的視角來考察基弗無比豐富的作品。我們生活的時代充斥著各種關於“終結”的言說，“藝術的終結”更是無處無時不在被宣揚著。在基弗看來，藝術家乃是“一個持續的沒落者。他永遠得不到他想要的東西。他始終只能圍著酒罐轉，當他要接近酒罐時，他就像恩培多克勒那樣掉進去了”。藝術面臨危險，但幾未沒落，藝術在沒落中升起。這是一個積極高調的書名。本書借助這個書名，希望在這個終結感、沒落感日益增強的時代裡，讓我們仍然對藝術、對哲學、對生活，抱有一種向上的期待和希望。
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約瑟夫‧博伊斯是頗具爭議的德國當代藝術家，在當代藝術發展的歷史上佔有極為重要的位置。《什麼是藝術？》通過博伊斯和學生的對話以及本書作者福爾克爾‧哈蘭所撰寫的文章，呈現了博伊斯對於物質、人和世界的思考，揭示了博伊斯藝術概念的內核，闡明了博伊斯的藝術思想與魯道夫‧施泰納的人智學的關聯，從而揭開了博伊斯藝術世界的神秘面紗。本書自德文版出版以來，曾多次再版，是研究博伊斯藝術思想不可或缺的原始文獻。
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本書收錄了作者近年來所做的16個學術演講，主體關乎藝術和藝術哲學，更準確地說關乎藝術現象學。立足於海德格爾的藝術之思，作者先討論了藝術現象學的理論基礎，並由此出發分析現象學與德國當代藝術的關係，最後試圖探討當代藝術的處境和方向。本書致力於解決這樣一個難題：主要由海德格爾發展出來的藝術現象學可能成為形式批評和圖像學之外的第三種藝術討論的範式、路徑和方法嗎？問題的提出和解答嘗試都表明了本書的意義。
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本書聚焦視覺傳達設計，構建從理論到實踐的完整體系。在梳理學科定義、歷史及數字化趨勢的基礎上，解析形態、色彩、材質等藝術元素的視覺語言與心理效應，並探討其實踐應用。全書內容涵蓋藝術元素應用、跨界協作、符號化創新，分析色彩心理學與品牌策略的色彩應用，剖析文化符號轉譯敘事的圖形創意，借字體與版式強化有秩序的排版設計，探索智能材料在包裝中的應用，詮釋元宇宙的動態設計。全書以 “創新” 為主線，關注傳統設計語言的當代轉化及其與科技融合的邊界拓展，通過理論解析與案例實證，為學科發展提供理論參考，為實踐者提供方法指導，推動數字化時代視覺設計範式的革新。本書既可作為設計院校的理論教材，也可為相關從業者提供實踐指導。
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本書共分為八章，包括緒論、本質論、歷史論、門類論、主體論、創作論、作品論和接受論。本書注重藝術觀點的學術性和理論的科學性、體系的系統性和知識的豐富性、設計的獨特性和結構的條理性、門類的多樣性和例證的精彩性、學理的嚴謹性和語言的生動性。本書配有課程簡介、教學大綱、電子教案、電子課件、文本及視頻案例、微課視頻、習題參考答案、模擬試卷及答案等教學(學習)資料(部分資料僅限用書教師下載)，索取方式參見“更新勘誤表和配套資料索取示意圖”。本書可作為高等院校素質教育教材與藝術類專業基礎課教材，也可供各行業藝術愛好者閱讀和參考。
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本書收錄了17篇西方人類學中比較有代表性的文章，共分為三個部分：(1)人類學田野調查方法的現狀與反思(第一至六篇)，此部分主要從藝術領域與人類學合作的語境中探究民族志/田野調查方法的當代挑戰和現實機遇，指出傳統人類學在學科和方法論上面臨的困難，與藝術能為人類學提供的新思路和新方法；(2)人類學與藝術學的關鍵概念與方法(第七至十二篇)，此部分主要闡釋人類學與藝術領域在合作中涉及到的一些關鍵概念和基本方法，如挪用、場域、訪談等；(3)民族志方法的藝術成果(第十三至十七篇)，這一部分主要展現在人類學方法的加持下，藝術領域在策展和影像民族志方面進行的實踐。
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本書是武漢大學校慶萬林博物館展覽“跨越六十年：人工智能的創意之火”的展後研究性出版物，以新技術的發展及其對藝術的影響為切入點，在呈現AI藝術前沿動態的同時，以媒介考古的角度串聯起一部微縮的數字藝術演進史。內容聚焦人工智能、機器人、計算機藝術與創造力領域的國際藝術家與中國藝術家，旨在探索人類與機器創造力之間的邊界地帶。展覽從全球視角觀察人工智能與數字藝術創作，精選來自全球30位/組國際藝術家的作品，涵蓋人工智能、生成藝術、機器人和虛擬現實等多元領域。
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《藝術與審美導論》以習近平新時代中國特色社會主義思想為指導，以習近平文化思想為引領，貫徹落實習近平總書記關於大學美育系列重要講話精神以及習近平總書記在中國人民大學考察調研時重要講話精神，以全面提升學生“藝術鑒賞、人文素養、創新思維”能力為目標組織開展教材編寫工作。教材遵循“知識-素質-能力”循序進階理念，並將課程思政理念落實到各個章節，涵育學生的理想信念、家國情懷與道德情操，幫助他們提高審美水平、提升思想境界、堅定文化自信。藝術作品與經典案例的遴選，秉持“不忘本來、吸收外來、面向未來”的理念，既重視中華優秀傳統文化，也積極借鑒國外優秀文明成果，以文明交流互鑒理念築牢人類命運共同體的文化根基。全書共十二章，在闡釋藝術理論的基礎上，從審美維度逐一解讀音樂、美術、戲曲、舞蹈、影視、數媒藝術等不同藝術類型。編寫團隊以藝術與審美課程師資為基礎，執筆人均為中國人民大學優秀師資，依據各自擅長的學術研究領域撰寫相應章節。本書基於通識課藝術與審美專門設計、逐步優化，與“藝術概論”類基礎性教材相較而言有自身特點：第一是“時新性”，教材內容以新觀點、新案例或新視角與時代關聯呼應，虛擬現實藝術、人工智能藝術等新興藝術類型辟有專門章節探討；第二是“啟發性”，理論闡釋與案例剖析並行，著重激發學生對藝術的興趣，以“問題”引導學生思考，提升“創意-創新-創造”能力；第三是“可讀性”，不局限於學術性寫作體例，在保證專業性的前提下力求通俗易懂，讓不同層次的讀者均能從中獲益。
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本書旨在引導學生深入研究色彩，通過多元、系統的訓練，提升學生對色彩變化與協調規律的理解與認知;鼓勵學生探索新的色彩表現形式，以期培養其靈動與開放的設計意識。
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本書從設計教學與設計實踐雙重視角切入，對設計思維，特別是抽象設計思維展開逐層剖析，旨在揭示設計思維的本質、運作過程及核心要點，不僅助力讀者系統梳理相關理論知識，還能引導其構建個性化的設計思維方法與實踐路徑。本書融入前沿設計思維教學方法，以“設定命題—討論命題—持續思考—可示化呈現”為編寫思路，構建系統的知識框架，深度剖析 30 餘個設計命題，幫助學生發現問題、捕捉靈感、挖掘創意，從而精准定位創意突破口，激發創新思維。 本書適用範圍廣泛，既可作為產品設計、工業設計、數字媒體藝術等專業的教材，也可供相關行業從業者及設計愛好者閱讀參考。
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《目不轉睛》是厄普代克三部藝術隨筆集中的第二部，出版於2005年，其中收錄了厄普代克精選的18篇討論美國藝術的隨筆，並配有223幅圖片。厄普代克從美國畫家約翰·科普利的肖像畫、風景畫開始評鑒，讚美了兩位19世紀晚期的藝術家溫斯洛·霍默和托馬斯·伊肯斯。接著畫風突變，厄普代克討論了怪異的前現代派畫家惠斯勒和艾伯特·平卡姆·賴德，還有美國的印象派、現實主義派，以及現在看來頗具歷史意義的前衛人物阿爾弗雷德·斯蒂格利茨、馬斯登·哈特利、阿瑟·達夫、納德爾曼等人。厄普代克的賞評橫跨多個藝術領域：繪畫、雕塑、攝影等等，從古典到現代，從文學大師的視角對這些藝術家和藝術品進行分析評論。
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本書針對藝用人體，詳細講解人體骨骼的結構和肌肉的分佈，並創新性講解如何簡化它們進行識記與默畫的方法，以便於繪畫者更高效地學習。全書共8章，先概括性講解不用掌握人體解剖知識畫人體的方法，讓讀者對人體繪畫有個基本的瞭解。然後分別講解下肢骨、軀幹骨、顱骨、上肢骨等的結構，講解時採用了“觀察與臨摹”“識別與記憶”“代入與想像”“簡化與默寫”的學習結構，以繪畫用途而非醫學用途為目的，對實際骨骼進行合理簡化，達到更易識別和記憶，最終能夠默畫出來的目標，同時充分強化了運動規律的講解，避免出現人物姿態改變就不會畫的問題。後面的章節進一步講解利用骨骼知識畫人的方法，並梳理藝用人體所需的11組骨骼和25組肌肉，幫助讀者建立人體結構的系統知識體系。最後講解運用解剖知識繪製著衣人體的方法。本書內容出自一線教師十幾年的教學經驗，適合想要畫好人物的初學者閱讀，也適合想要快速提升人物塑造能力的讀者閱讀。
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《歸結為同一原理的美的藝術》一書于1746年於巴黎首次出版。這本書在藝術史和美學史上具有重要意義，其中將詩、繪畫、雕塑、音樂、舞蹈、演講術及建築等統稱為“美的藝術”，認為它們遵循同一原理，即都是對美的自然之模仿，對現代藝術體系的建立，具有重大影響。 此書分為三大部分。第一部分共六章，討論藝術如何模仿美的自然，包括藝術的分類與起源、天才如何通過模仿美的自然來產生藝術、模仿的方式，以及演講術與建築如何異於其他美的藝術等。第二部分共十章，主要關注趣味及其與模仿的關係，探究趣味的種類與法則，趣味如何模仿自然，如何評價作品等。第三部分又分為三個方面，分別涉及詩(包括史詩、悲劇、喜劇、抒情詩等等)、繪畫，還有音樂與舞蹈。在巴托看來，模仿原理適用於這幾種美的藝術，而它們也因此而屬同一體系，具有某種共通性。
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本書以努力培養造就一流人才、大國工匠為引領，聚焦于設計思維體系構建與實踐應用，旨在培養學生通過系統性思維、創新方法解決複雜問題的能力。全書以“理論奠基—思維拓展—實踐轉化”為主線，融合經典理論與前沿技術，結合多學科視角與設計工作坊實踐，通過5章內容，即設計思維概述、思維工具、知覺思維、設計研究和設計思維工作坊，引導學生通過系統性學習，掌握設計思維的底層邏輯，具備從用戶洞察到方案落地的全流程能力，為應對數字化時代的挑戰奠定堅實基礎。書中配套課程微視頻、實訓活頁、課件PPT、教學大綱。本書適合作為高等院校產品藝術設計、工業設計、數字媒體藝術設計、視覺傳達設計、藝術設計等專業教材，也可為相關設計行業人士提供參考。
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當代藝術的社會空間介入,既身處特定文學藝術場域，也立足特定“場地”“建築”“地方”。立足具體“場所”要著眼“場所精神”塑造、場所主題打造。進入“失落”效應空間,則要力圖阻止;進入責任者空間,則要溯源及追責;立足“社區”,則要圍繞“社群”參與,構建社區活力。總之,當代藝術介入“失落之境”,作為“批判性空間實踐”,顯現出一種強烈的實踐性,推進當代社會文化變革。《藝術介入》系統梳理全球當代藝術“空間介入”的空間生產及其文化創新,既為藝術介入鄉村振興或城市更新的現實議題提供全球的理論視野,又為應對後工業社會、消費主義社會、媒介化社會的現實挑戰提供系統的創新路徑。
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本書以專題分析的方式，針對中國藝術中的各種材質，展示不同材料的開發和使用在中國美術史中的重要性。在每輯中囊括有關古代、現代和當代中國藝術的文章，通過對材料和材質的共同關注把中國藝術史中的不同時段聯結在一起。不僅為藝術史研究提供了新的視角和方法，也為公眾理解和欣賞中國藝術提供了新的途徑。“材質藝術”是藝術研究和藝術批評中的一個新觀念，指的是特定材料在藝術表現和表達中起到的關鍵作用，由此構成藝術發展和創作中的一個長遠傳統和重要方面。“材質” 一詞既指製作藝術品和建築物的“材料”，也意味著不同材料在意識形態和審美層次上的“質量”。這個概念因此包含和聯結了物質和精神兩個維度，一方面引導我們探究藝術創作中對不同材料的選擇標準和使用方式，同時也促使我們探索這些材料所承載的歷史、文化、宗教、政治、性別和思想上的含義。因循這兩個維度，我們可以更加自覺地思考藝術創造與物質文化及技術發展之間的關係，也可以把中國美術中的諸多品種和特性與中國文化傳統的多元性更加緊密地連接起來。
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